Obra artistica que tenga valor estetico de itaolia

Características del arte del Renacimiento

La estética es una rama de la filosofía que se ocupa de la naturaleza de la belleza y el gusto, así como de la filosofía del arte (un área propia de la filosofía que se desprende de la estética)[1] Examina los valores estéticos, a menudo expresados a través de juicios de gusto[2].

La estética abarca las fuentes naturales y artificiales de las experiencias y cómo nos formamos un juicio sobre esas fuentes. Considera lo que ocurre en nuestras mentes cuando nos relacionamos con objetos o entornos, como ver arte visual, escuchar música, leer poesía, experimentar una obra de teatro, ver un desfile de moda, una película, deportes o incluso explorar diversos aspectos de la naturaleza. La filosofía del arte estudia específicamente cómo los artistas imaginan, crean e interpretan las obras de arte, así como el modo en que la gente utiliza, disfruta y critica el arte. La estética considera por qué a la gente le gustan algunas obras de arte y no otras, así como la forma en que el arte puede afectar a los estados de ánimo o incluso a nuestras creencias[3] Tanto la estética como la filosofía del arte tratan de encontrar respuestas a lo que es exactamente el arte, la obra de arte o lo que hace que un arte sea bueno.

Arte italiano

Desde la antigüedad, griegos, etruscos y celtas han habitado el sur, el centro y el norte de la península italiana, respectivamente. Los numerosísimos dibujos rupestres de Valcamonica se remontan al año 8.000 a.C., y existen ricos restos de arte etrusco procedentes de miles de tumbas, así como ricos restos de las colonias griegas de Paestum, Agrigento y otros lugares. La antigua Roma se convirtió finalmente en la potencia italiana y europea dominante. Los restos romanos en Italia son de una riqueza extraordinaria, desde los grandiosos monumentos imperiales de la propia Roma hasta la pervivencia de edificios ordinarios excepcionalmente conservados en Pompeya y sitios vecinos. Tras la caída del Imperio Romano, en la Edad Media Italia, especialmente el norte, siguió siendo un importante centro, no sólo del arte carolingio y del arte otomano de los emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, sino también del arte bizantino de Rávena y otros lugares.

Italia fue el principal centro de desarrollo artístico a lo largo del Renacimiento (1300-1600), comenzando con el Proto-Renacimiento de Giotto y alcanzando un pico particular en el Alto Renacimiento de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, cuyas obras inspiraron la fase posterior del Renacimiento, conocida como Manierismo. Italia mantuvo su dominio artístico en el siglo XVII con el Barroco (1600-1750) y en el XVIII con el Neoclasicismo (1750-1850). En este periodo, el turismo cultural se convirtió en un importante puntal de la economía italiana. Tanto el Barroco como el Neoclasicismo se originaron en Roma[1][2] y se extendieron a todo el arte occidental. Italia mantuvo su presencia en la escena artística internacional a partir de mediados del siglo XIX, con movimientos como los Macchiaioli, el Futurismo, la Metafísica, el Novecento Italiano, el Espacialismo, el Arte Povera y la Transvanguardia.

Pinturas italianas famosas

A menudo se cita a Steve Jobs como ejemplo de líder "visionario" en los negocios. Pero, ¿qué hay en su "visión" que sea tan distintiva? En su famoso discurso en la Universidad de Stanford en 2005, dio una pista: las clases de caligrafía que tomó en el Reed College en 1972. Aparentemente carentes de utilidad práctica en aquel momento, las habilidades acumuladas y la mayor sensibilidad estética adquirida por la exposición a la caligrafía se pusieron en práctica una década después al crear el primer ordenador Macintosh. Su elegante diseño daría lugar a un compromiso total con la estética que se convirtió en el sello de Apple. La caligrafía no es sólo una forma de escribir, sino un proceso filosófico articulado a través de la cuidadosa configuración de los trazos del pincel, que combina poesía, literatura y pintura. El hecho de que esta compleja forma de arte se imprimiera en uno de los relatos más célebres del éxito empresarial es un testimonio de algo más que el papel del azar en la vida. Encarna la propensión a reconsiderar el papel de la estética en los negocios, y el reconocimiento de que, parafraseando a Albert Einstein, los mejores gestores son también artistas.

Artistas italianos

PublicidadNo es un Rothko: una de las falsificaciones que provocaron el cierre de la galería neoyorquina Knoedler & Co en 2011 ¿Por qué una falsificación debe valorarse menos que una obra de arte auténtica? Es una pregunta que ha vuelto a ser objeto de debate por parte de Blake Gopnik (ex de Newsweek y que ahora trabaja en una biografía de Andy Warhol), que escribió un artículo de opinión para The New York Times el pasado noviembre titulado "Elogio de las falsificaciones de arte". Gopnik defiende que las falsificaciones son obras de arte legítimas, haciéndonos pensar en ellas como obras que los artistas originales "no llegaron a hacer". Para hacer tales obras, el argumento es que el artista-falsificador debe habitar las "ideas" del artista predecesor, tal y como se encarnan en la obra del predecesor, y si son las ideas las que importan (como Gopnik tiene razón al creer que lo hacen), entonces ¿por qué preocuparnos por el nombre de quién está unido, ya que sería irrelevante para los efectos de la obra?

Es importante señalar que, al principio, Gopnik hace una distinción común entre dos sentidos de "valor": Si bien la falsificación es claramente un delito económico", escribe Gopnik, "no siempre es un delito artístico o estético". El valor económico o de mercado es diferente del valor artístico o estético. Para Gopnik, como para muchos comentaristas sobre el arte y sus mercados (casi todo el mundo hoy en día), esto es un lugar común, y es particularmente útil cuando se considera el problema de las falsificaciones, ya que la distinción ofrece una lógica fácil: si el valor de mercado es lo que importa, entonces las falsificaciones son un problema; si el valor estético es lo que importa, entonces no lo son. Por tanto, un argumento "en favor de las falsificaciones" es en realidad un argumento que condena el mercado, que es de lo que trata el artículo de Gopnik.